Se encuentra dividido por secciones, si recien empezas o si ya llevas tiempo bailando.

• Guias para dar tus primeros pasos.

• Toda la info que todo lindy hopper debe saber.

• Historia del baile: los salones, bailarines, estilos

• Y mucho mas!

Un especial agradecimiento a Jose Zarazaga quien creo el contenido y a Gabriel Hernandez. por realizar la edicion del mismo.

El nivel es relativo, ya que un estudiante intermedio de un país donde acaba de empezar la escena, quizás sea principiante en otro donde se enseña hace muchos más años.

Lo mismo pasa a la hora de bailar. Muchas escuelas tienen métodos más estructurados, por lo cual tal vez encuentres diferencias de nivel en tu propia escena. Lo que es de cierto nivel para una escuela es diferente para otra.

Si mirás el programa de estudio de todas las escuelas a nivel mundial, todos están diseñados para poder dividir las clases en grupos para enseñar de forma más ordenada, pero seguro vas a encontrar diferencias.

Muchas veces el nivel en el que estás no refleja las horas de pista, seminarios, tiempo de práctica, etc. ¡Lo importante es bailar!, no te pongas mal si te encontrás con gente que tiene un nivel superior al tuyo solo quiere decir que ellos ya estuvieron donde estás vos.

Muchos eventos tienen prueba de nivel y muchos bailarines se estresan tratando de estar en los niveles más altos; recordá que es solo una manera de organizar los grupos. Tu objetivo tiene que ser aprender algo nuevo, o practicar algo que ya sabías, no estresarte por una división de niveles.

Mucha gente llega a la clase desde el trabajo o de otro lugar sin pasar por la casa, por eso es que vas a encontrar e vestimentas tan diferentes.

No hay una ropa especial para asistir a clases; pero si sos de transpirar mucho te recomendamos que traigas una muda de ropa y desodorante; pensá siempre que es un baile en pareja y hay que tratar que la otra persona también esté cómoda con nosotros.

En las fiestas, mucha gente opta por más “lookeada”, es decir, tratando de imitar cómo iban vestidas las personas en la época dorada del Swing.

La ventaja tal vez es que los movimientos se ven más fieles a los originales. Es una buena oportunidad para vestirse diferente, arreglarse, jugar creativamente con nuestra indumentaria.

Esto es solo una elección y que muchas personas visten de elegante sport, otras van vestidos como irían a una clase o como se visten todos los días.

Una fiesta es una oportunidad para compartir entre todos y lo más lógico es que cada uno vaya vestido como más cómodo le resulte.

NOTA: Algunas fiestas son temáticas y se pide ir con elementos de alguna década en particular, disfraces etc. No suele ser obligatorio, pero es una linda ocasión para ir de alguna manera distinta.

Antes de tomar esa decisión es importante saber cómo es el suelo donde se va a bailar: ¿es rígido? ¿tiene algún tipo de amortiguación? ¿es resbaladizo?

El peor suelo para bailar es el asfalto/cemento ya que no absorbe el impacto directo. En estos suelos recomendamos algún calzado que tenga más amortiguación que un zapato.

El suelo con baldosas es un poco menos rígido, pero aumenta mucho la posibilidad de resbalarse, por lo cual si no tenemos una muy buena técnica habrá que pensar en algún calzado que pueda frenarte, como los que tienen terminación con goma.

El mejor suelo para bailar es la madera ya que amortigua y se puede controlar al deslizarnos. Hay diferentes tipos de suelo de madera por lo que también podés probar qué calzado te da mayor comodidad.

El zapato es un calzado que resbala mucho pero no amortigua tanto, pensá bien en que suelo bailás y que calzado vas a usar. Evitá bailar mucho tiempo en pisos duros, ya que son malos para tu cuerpo más allá del calzado que lleves.

Como consejo final, evitá las zapatillas que tengan mucha goma, como las zapatillas de correr. Si el piso no resbala, al pegarse la suela perjudica mucho la rotación de la rodilla y puede provocarte lesiones. Lo más común a usar son las zapatillas de tela con una pequeña y delgada base de goma. Se venden en cualquier tienda de barrio.

En ingles, “Leader” es quien lidera o sugiere una marca y “Follower” quien sigue e interpreta dicha marca. Por eso, al comienzo de las clases, uno puede elegir el rol que desea desarrollar durante la misma.

Un Jam es una ocasión para homenajear a quien cumple años. También pueden celebrarse otras cosas, como si alguien se gradúa, o si vienen bailarines de otro país y queremos darles la bienvenida, etc.

Consiste en formar una ronda alrededor de la persona en cuestión, aplaudir acompañando y animando a que todos participen. La idea es que a la persona que cumple años la saque a bailar la mayor cantidad de gente posible.

También hay jams que se dan espontáneamente donde entran bailarines solos a hacer Authentic Jazz o parejas de bailarines muchas veces haciendo Aerials.

En inglés significa “bola de nieve”. Es una dinámica donde se busca generar que cada vez haya más gente en la pista. Muchas veces, después de un anuncio, presentación o pausa, la pista queda vacía para llenarla más rápido, se convoca a una pareja a bailar en el centro; cuando el animador grita de “SNOWBALL”, esta pareja tendrá que separarse y buscar bailarines. Ahora, se formaron dos parejas en la pista; la próxima vez que se grite “SNOWBALL” habrá cuatro parejas, luego ocho parejas…. y así sucesivamente hasta que todos estemos bailando.

Son rutinas clásicas de baile solo: bailás sin pareja y seguís ciertas secuencias mundialmente famosas porque se hicieron en una película o porque las inventó un bailarín muy importante.

Muchas de éstas son muy antiguas y se bailan en todas partes, por eso al oír cierta canción en una fiesta, corren todos a hacerla.

Las más famosas son Shim Sham, Tranky Doo, Big Apple y California pero hay muchísimas más (si queres saber mas, visita esta seccion: RUTINAS CLASICAS).

Un workshop o seminario es una clase especial con una temática especial. Algunas veces puede darse en un solo día, otras veces lleva varias clases.

También, cuando algún profesor viaja a otra provincia o país, se anuncia que va a dar un workshop durante todo el fin de semana, que suele terminar con alguna fiesta y banda en vivo.

Algunos workshops que solemos hacer en “¡Bailá Swing!” son: Técnica y Conexión, Musicalidad, Aerials, Especial Followers y más.

Un camp es un gran evento donde hay clases, fiestas, tocan bandas y otros eventos sociales. Pueden ser de una semana, dos, cinco semanas o más.

Algunos camps de Swing llegan a tener 1200 personas por semana o más de diez parejas de profesores enseñando.

Generalmente, te podés quedar a dormir en el mismo lugar donde se toman las clases y se organizan las fiestas; pueden ser carpas o salones con cientos de camas, o también podés buscar un hospedaje cerca. Algo parecido sucede con las comidas: muchas veces almorzamos y cenamos todos juntos, pero siempre está la opción de arreglarte por tu cuenta.

Los clandestinos son bailes que se organizan en la calle. Su nombre se debe a que es un evento que tiene un aura de secreto: por whatsapp se convoca a bailarines en determinado lugar y a cierta hora en alguna plaza y otros lugares públicos; así, sacamos el lindy hop a la calle para seguir sumando más bailarines a la escena.

En “¡Bailá Swing!” organizamos clandestinos en distintos puntos de la Ciudad de Buenos Aires. Si te querés sumar a la lista de difusión, mandanos tu NOMBRE y APELLIDO por whatsapp al .

Whatsapp

Imaginate que estás caminando en algún lugar público hablando con amigos, volviendo del trabajo, hablando por teléfono, paseando al perro o lo que se te ocurra. De repente, escuchás música y te encontrás con un show de Swing.

Eso es un Flashmob: una exhibición que se hace sin previo aviso en algún lugar muy concurrido. Los bailarines y bailarinas se van sumando de a poco, generado una ilusión de espontaneidad. Al terminar el flashmob, todos los participantes se separan rápidamente y vuelve todo a la normalidad.

Después de tantos años en la escena Swing conocimos y conocemos a tantos excelentes bailarines y bailarinas que se hace muy difícil dejar alguno afuera. En esta breve lista dejamos los que se nos vienen a la memoria en este momento.

Te recomendamos que los busques en YouTube… vas a ver que es un camino sin fin.

FOLLOWERS: Alice Mei, Jo Hoffberg, Frida Segerdahl, Tatiana Udry, Annie Trudeau, Pamela Gaizutyte, Naomi Uyama, Ramona Staffeld, Nina Gilkenson, Mikaela Hellstein, Sharon Davis.

LEADERS: Thomas Blacharz, Dax Hock, Skye Humphries, Kevin St Laurent, Remy Kouakou Kouame, Ryan Francois, Vincenzo Fesi, Nick Williams, Felipe Braga.

Te dejamos algunos de los más famosos solo para que empieces… de seguro vas a empezar a ver los videos en YouTube y no vas a poder parar de mirarlos:

- Harlem Hot Shots

- Silver Shadows

Después de años de tomar clases de Rock and Roll y practicar con colegas, empezaron a tomar clases de otras disciplinas como danza y acrobacia.

Con mucha curiosidad y ganas de saber más, conocieron películas clásicas de Rock de los años ‘50, tales como “Rock Around the Clock” y “Don’t Knock the Rock”. A partir de estas películas, investigaron a los bailarines que las protagonizaban y llegaron a videos más antiguos de Swing. Con mucha práctica y horas de video, Lu y José empezaron a practicar los pasos y figuras que no conocían.

En esa época no existía YouTube, por tal motivo, encontrar un video nuevo era como recibir el mejor regalo de cumpleaños. Con mucha paciencia, junto a otros bailarines y profesores se juntaban a ver videos en VHS de clases de Swing (José recuerda que era una colección de dieciocho capítulos con los pasos básicos de Swing, Charleston, Balboa y shag), rutinas de Authentic Jazz y videos de concursos, entre otras cosas.

Lu y José empezaron a frecuentar bailes sociales de tango y de salsa. En las principales milongas había tandas de Rock y aprovechaban para practicar. Además, en las milongas a veces encontraban bailarines de otros países, y aprovechaban la oportunidad para preguntarle por más información o pedirles una clase.

Con el tiempo, junto a otra pareja de profesores formaron “Buenos Aires Swing”, una de las primeras escuelas de Sudamérica. Mientras tanto, otras parejas de baile formaron sus propias escuelas o daban clases particulares.

La movida en Argentina iba creciendo como un snowball (aunque todavía no conocían ese término) por lo que Lu y José tomaron una decisión: viajar para buscar a profesores internacionales de Swing. De esta manera en el 2007 llegaron al “Herrang Dance Camp” en Suecia.

Asistieron a muchísimas clases, todos los días durante cinco semanas, además de bailes sociales todas las noches. Años antes Lu y José miraban videos en VHS de bailarines de la época dorada del Swing. Ahora, en Herrang, conocieron a esos mismos bailarines y bailarinas de los años ‘30, escucharon sus consejos y aprendieron todo lo que pudieron. Fue un sueño hecho realidad. Asi que sí, tuvieron el honor de conocer al mismismo Frankie Manning!

Con los años, sumaron más viajes a Estados Unidos y Europa para perfeccionarse. Mientras tanto en Buenos Aires la movida del Swing siguió creciendo poco a poco y también las diferentes escuelas de Swing. Lu y José daban clases varios días a la semana, workshops y organizaban bailes con banda en vivo. Con el tiempo llegaron demostraciones en teatros y en televisión, el dictado de clases en otras provincias y también en otros países.

El camino recorrido hasta el día de hoy muestra el esfuerzo por sostener la escena Swing y no rendirse jamás, un viaje largo que por suerte todavía no termina.

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El Charleston nació a principios de los años ‘20 como una forma de diversión y distracción después de la Primera Guerra Mundial.

Es llamado así por la ciudad puerto de Charleston, Carolina del Sur y se cree que estas series de pasos tienen su origen entre afroamericanos residentes en una pequeña isla próxima a la ciudad de Charleston.

Se bailaba ya en 1903 y se abrió camino hacia las producciones escénicas de Harlem alrededor de 1913. En 1923 se introdujo en los teatros. Llegó al gran público a través del «New Amsterdam Theater» de Nueva York, cuando la compañía «Ziegfeld Follies» representó un número que incluía el Charleston. Fue un éxito inmediato.

El ritmo fue popularizado por una melodía 1923 llamada “The Charleston”, compuesta por el pianista James P. Johnson y que se originó en el espectáculo de Broadway Runnin’ Wild.

Pronto se convirtió en una moda y tuvo gran importancia en Europa. Josephine Baker, una de las mayores representantes del Charleston, se convirtió en un símbolo que caracterizó una época de despreocupación.

En los años ’20, las mujeres que bailaban Charleston eran llamadas “Flappers” debido a que la manera en que agitaban sus brazos y caminaban recordaba a los movimientos de un pájaro. Muchos estudiantes universitarios de la época vestían “racoon coats” (abrigos de piel de mapache) y sombreros de paja mientras bailaban el Charleston.

Mucha gente vio en el Charleston y sus seguidores el final de la moralidad y las buenas costumbres. En 1925 la revista “Variety” informó que, en Boston, las vibraciones causadas por los bailarines de Charleston fueron tan fuertes que causaron el hundimiento de la sala de baile “Pickwick Club”, catástrofe en la que murieron cincuenta personas. En muchas salas se colgaban carteles con las siglas “PCQ: Please Charleston Quietly” para solicitar al público que bailara Charleston.

A partir de 1926, el Charleston comenzó a ser desplazado por otros bailes del momento. Hoy en día sigue siendo muy popular y dentro del Swing existen pasos y patrones al estilo del Charleston, a menudo llamados Lindy-Charleston.

Podemos bailarlo tanto en pareja como en solitario. Por eso, en nuestra escuela sumamos pasos dentro de las clases de Lindy Hop,así como también están las clases de Authentic jazz, que dentro de este estilo se llama Solo Charleston.

El Lindy Hop NO es un ritmo en particular, ni tampoco al oír una música podemos decir “eso es Lindy Hop”. Es una forma de bailar la música Swing, más precisamente es un estilo de baile que fue muy popular en los años ‘20, ‘30 y ‘40.

Es un baile súper dinámico y con muchísimas variaciones; podés cambiar constantemente de básico y alternar entre posiciones abiertas y cerradas. Como todos los bailes tiene canciones lentas, medias y rápidas, lo que te garantizamos es que una vez que lo bailes, ¡te va a costar mucho dejarlo!

Este estilo tiene raíces en danzas africanas. Su escenario central fue en los salones de baile de Harlem, Nueva York (nota aparte en este blog) En éstos tocaban grandes bandas y orquestas como la de Glenn Miller, Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, Cab Calloway, entre otras.

Los pasos nacieron tanto de la improvisación como de la herencia de otros bailes como el Charleston, e incorporó elementos de otros estilos como el Texas Tommy, Turkey Trot, Apache Dance, Black Bottom, The Shimmy, The Strut, Cakewalk, The Frisco, Foxtrot, Tap y muchos de los bailes de salón de la época. Todo esto incorporando los pasos abiertos en las tradicionales posiciones cerradas de baile.

Durante los inicios de los bailes de swing coexistieron muchos estilos diferentes que hoy permanecen sin nombre y de los que no existen referencias documentales. Con todo aquel talento creativo presente no cabe esperar una homogeneidad de estilo, sino más bien una combinación ilimitada de diversos bailes populares. Es por eso que al ver bailar Lindy Hop, vemos posturas y pasos tan variados.

Había muchísimas salas donde se bailaba y cada una tiene sus historias y anécdotas. Pero sin duda una de las más famosas salas de baile fue el Savoy Ballroom (nota aparte en este blog): con su pista gigante con capacidad para 4.000 personas y su doble tribuna elevada para las orquestas, atraía a los mejores bailarines del área de Nueva York, tanto blancos como afroamericanos.

El nombre de Lindy Hop está basado en una curiosa anécdota relacionada con Charles Lindbergh (“Lindy”), el primer aviador que cruzó o “saltó” (Hop) el Atlántico en un solo vuelo sin escalas (1927). Realizó esta proeza con su avión “Spirit of St. Louis”, uniendo el trayecto entre Nueva York y París en algo más de 33 horas.

En una maratón de baile, un periodista le preguntó a George Snowden (nota aparte en este blog), que era lo que estaba haciendo durante un fragmento de improvisación. Snowden respondió: “The Lindy Hop”.

En el Savoy se organizaban concursos tanto de bandas como de bailarines que poco a poco tomaron mayor importancia. Tal es así que productores de espectáculos vinieron en busca de nuevos talentos y así se formaron compañías profesionales de bailarines que difundieron estos bailes tanto en giras como en películas de la época. El Lindy Hop alcanzó tanta popularidad que incluso la edición de la revista Life del 23 de agosto de 1943 declaraba al Lindy Hop como baile nacional. Después se extendió rápidamente por Europa a través de espectáculos de compañías profesionales de bailarines y películas.

Uno de los grupos más famosos de la época fue el llamado Whitey’s Lindy Hoppers, que realizaron varias películas en Hollywood, obras musicales en Broadway y recorrieron gran parte del mundo (nota aparte en este blog).

Hoy en día, no se puede hablar de Lindy Hop sin nombrar a uno de los más grandes bailarines del Savoy, que introdujo los pasos acrobáticos durante los años ‘30: Frankie Manning (nota aparte en este blog), que tiene un papel fundamental en la historia y por lo que hoy es conocido como el embajador del Swing a nivel mundial.

El Lindy Hop es el precursor de los estilos Boogie-Woogie y Rock and Roll, que se desarrollaron durante los años ‘40 y ’50. Luego de que los bailes en pareja perdieran terreno con los bailes pop, donde se bailaba separado y casi sin contacto con otra persona, surge una ola de recuperación del Lindy Hop en los ‘80.

Maestras y maestros de la época dorada del Swing fueron contactados para transmitir sus conocimientos a las nuevas generaciones. También, en los ‘90 aparecieron bandas de Neo-Swing y un famoso comercial de GAP en 1998 que ayudaron mucho a la recuperación y difusión.

El Savoy Ballroom fue un gran salón de baile para música y baile que estuvo en funcionamiento desde marzo de 1926 hasta octubre de 1958. Estaba ubicado en Lenox Avenue 596 entre las calles 140 y 141 en el vecindario Harlem de Manhattan, Nueva York. Lenox Avenue fue la vía principal de Harlem.

El Savoy recibió su nombre del Savoy Hotel en Londres: según sus fundadores, esto le daba al salón una sensación elegante y exclusiva, ya que el hotel era de élite.

Fue conocido como “El salón de baile más fino del mundo” y también como “Home of Happy Feet”. Langston Hughes, en su poema Juke Box Love Song lo llamó “el latido del corazón de Harlem”.

El Savoy podía albergar hasta 4.000 personas. El interior estaba pintado de rosa y las paredes estaban reflejadas. Luces de colores bailaban en el suelo de madera en capas. Fue inaugurado por los empresarios Jay Faggen y Moe Gale. Fue administrado por el hombre de negocios afroamericano y líder cívico Charles Buchanan, que nació en las Indias Occidentales Británicas. Según sus palabras, buscó organizar un “salón de baile de lujo para dar cabida a los miles de personas que deseaban bailar en una atmósfera de refinamiento de buen gusto, en lugar de en los pequeños salones congestionados y los clubes nocturnos de sótanos llenos de humo y mal olor”.

El Savoy se inspiró en el lugar del centro de Faggen, Roseland Ballroom. El Roseland era un club de baile swing donde el público era, en su mayoría, “blanco”, como se le conocía en esa época. Con el ascenso de Swing a la popularidad y Harlem convirtiéndose en una comunidad afroamericana conectada, The Savoy dio a los bailarines talentosos y apasionados un lugar para crecer.

En 1926, el Savoy tenía un un amplio vestíbulo que enmarcaba una enorme lámpara de araña de cristal tallado y una escalera de mármol. Según Leon James en Jazz Dance: “Mi primera impresión fue que había entrado en otro mundo. Había estado en otros salones de baile, pero esto era diferente: mucho más grande, más glamoroso, clase real.”

A diferencia de muchos salones de baile como el Cotton Club, el Savoy siempre tuvo una política de no discriminación. En general, la clientela era 85% afrodescendiente y 15% blanca, aunque a veces había una división uniforme. En el Savoy no se juzgaba a los asistentes por el color de piel, lo que importaba era bailar. Cuenta Frankie Manning: “Una noche alguien vino y dijo: ‘Oye, Clark Gable acaba de entrar a la casa’. Alguien más dijo: ‘Oh, sí, ¿puede bailar?’”, Para los que no los saben, Clark Gable fue un actor de cine estadounidense, conocido como “El Rey de Hollywood”. Tuvo papeles en más de 60 películas en una amplia variedad de géneros en una carrera que duró 37 años.

El salón de baile se cerró definitivamente en octubre de 1958. A pesar de los esfuerzos por salvarlo que realizaron Hulan Jack (presidente del condado), Charles Buchanan (gerente del Savoy y copropietario) Charles Buchanan y otros clubes y organizaciones, el Savoy fue demolido para la construcción del complejo de viviendas Delano Village entre marzo y abril de 1959. El alcalde fue blanco de protestas de clubes y organizaciones. Los accesorios del salón de baile fueron subastados para un “proyecto de viviendas de limpieza de barrios marginales”.

Count Basie fue citado en el periódico diciendo: “Con la aprobación de demoler el Savoy Ballroom, una parte del mundo del espectáculo desapareció”

El 26 de mayo de 2002, Frankie Manning y Norma Miller , miembros de Whitey’s Lindy Hoppers, revelaron una placa conmemorativa para el Savoy Ballroom en Lenox Avenue entre las calles 140 y 141. Hoy en día muchos Lindy Hoppers eligen visitarla y José tuvo la oportunidad de visitarla en el año 2011. Un año después, en 2012, Floating World Pictures hizo un documental llamado The Savoy King, que se estrenó en el 50º Festival de Cine de Nueva York.

El Harlem Alhambra fue un teatro en Harlem, construido en 1905, que comenzó como un lugar de vodevil. El arquitecto fue John Bailey McElfatrick (1829–1906) y el edificio todavía sigue en pie.

La construcción de la estructura comenzó en 1902 por su propietario original, Harlem Auditorium Amusement Company, pero la obra no se completó debido a un litigio. Finalmente, Percy G. Williams, de la Orpheum Amusement Company, adquirió la propiedad, y abrió el teatro el 15 de mayo de 1905, con una capacidad de 1650 asientos.

Para 1910, Williams administraba el mayor número de teatros de vodevil en la ciudad de Nueva York: dos en Manhattan, uno en el Bronx y uno en Brooklyn y Queens. Con el tiempo se convirtió en un lugar de cine y, en 1929, abrió un famoso salón de baile en el piso de arriba que albergaba a artistas como Bessie Smith y Billie Holiday.

El salón de baile terminó en mal estado en la década del ‘60, pero reabrió en 2003 como The Alhambra Ballroom, Inc. (Willie Mae Scott, CEO), que organiza bodas, fiestas y otros eventos sociales.

El edificio está ubicado en 2108-2118 Adam Clayton Powell Jr. Boulevard (7th Avenue) en la esquina suroeste de la calle 126 en el barrio Harlem de Manhattan, Nueva York. Desde el 2014, Simpson West Realty, LLC, posee el edificio.

El Cotton Club fue un club nocturno de Nueva York de los años ’20. Está asociado a esa etapa del swing, al mundo de los gángsters, a las big bands, y a la Ley Seca que imperaba en aquel entonces. Era el “Lugar Número Uno”, donde todo músico quería estar.

El club fue abierto por el campeón de los pesos pesados Jack Johnson. El contrabandista y gánster Owney Madden adquirió el club en 1923 mientras estaba encarcelado en la prisión Sing Sing y cambió el nombre del local al de Cotton Club.

Si bien estaba ubicado en el Harlem, generalmente denegaban la admisión a los afroamericanos. Solo recibían a alguna celebridad y en muy pocas ocasiones.

El Renaissance Ballroom fue un legendario local de jazz de Harlem en la década del ‘20. Originalmente, el Renaissance Ballroom & Casino fue un complejo que incluía un casino, salón de baile, teatro con capacidad para 900 personas, seis tiendas minoristas y un estadio de basket. Construido y operado por hombres de negocios afroamericanos, el “Rennie” era la única sala de recepción de lujo disponible para los afroamericanos en ese momento. Estaba ubicado en el vecindario Harlem de Manhattan en 2341-2349 Adam Clayton Powell Jr. Boulevard , en el lado este del bulevar entre las calles 137 y 138. La fachada de la Séptima Avenida abarcaba toda la cuadra.

El Teatro Apollo de Nueva York es uno de los clubs de música popular más famosos de Estados Unidos y uno de los más relevantes de la historia de la música afroamericana en Estados Unidos, ya que en él dieron sus primeros pasos grandes intérpretes como Ella Fitzgerald o Michael Jackson.

En 1983 fue nombrado Monumento de la Ciudad de Nueva York, y fue agregado al Registro Nacional de Lugares Históricos. Se estima que 1,3 millones de personas visitan el Apolo cada año.

Está ubicado en 253 West 125th Street entre Adam Clayton Powell Jr. Boulevard y Frederick Douglass Boulevard en Harlem.

El teatro, que tiene una capacidad para 1506 personas se inauguró en 1914 como el Nuevo Teatro Burlesco de Jules Hurtig y Harry Seamon. Abierto sólo a espectadores blancos, el Nuevo Teatro de Burlesque de Hurtig y Seamon se mantendría funcionando hasta 1928 cuando Bill Minsky lo transformó en el Teatro Apollo de 125th Street.

A principios de la década del ‘30, el teatro cayó en mal estado y se cerró. Tras la muerte de Minsky en 1932, fue comprado por un poderoso propietario teatral, Sidney Cohen, y después de renovaciones lujosas, reabrió como “Teatro Apollo” el 16 de enero de 1934, atendiendo a la comunidad afroamericana de Harlem.

El Apollo presentó los primeros concursos de Amateur Night en 1934 y tuvo un papel importante en el surgimiento del jazz, el swing, el bebop, el R&B, el gospel, el blues y el soul.

El 14 de febrero de 1934, la primera estrella importante en aparecer en el Apollo fue la cantante de jazz y estrella de Broadway Adelaide Hall en la producción de Chocolate Soldiers de Clarence Robinson, que contó con la Orquesta de Sam Wooding. El espectáculo tuvo una participación limitada y fue muy elogiado por la prensa.

Originalmente, un espectáculo típico presentado en el Apollo era similar a un espectáculo de vodevil, que incluía una línea de coro femenino. A medida que avanzaban los años, estos programas de variedades se fueron presentando con menos frecuencia.

Manning nació en 1914 en Jacksonville, Florida. Después de la separación de sus padres cuando él tenía tres años, se mudó a Harlem con su madre, que era bailarina.

Frankie pasaba los veranos con su padre, su tía y su abuela en una granja en Carolina del Sur. Todos sábados, los campesinos venían a la granja a tocar música en el porche con armónicas y un banjo. La abuela de Manning animó al tímido niño a salir al patio y bailar con los demás. Una vez que se metió en el círculo de baile, desarrolló un gusto por la danza y no paró nunca más.

De vuelta en Nueva York, comenzó a acompañar a su madre en los bailes, y se sorprendió al verla bailar estilos de salón formales como Foxtrot y Vals, ya que antes solo la había visto bailar en un estilo mucho más relajado y casual.

Frankie Manning cuenta que una vez su madre le dijo: “Frankie, nunca serás bailarín porque eres demasiado rígido”. Manning amaba a su madre y quería hacer cosas para complacerla, así que por eso comenzó a escuchar discos en una vitrola en su habitación y practicaba el baile con una escoba o una silla.

Cuando cumplió la mayoría de edad, Frankie comenzó a bailar en la Alhambra y Renaissance Ballroom. A los 19 años, comenzó a ir una de las más famosas salas de baile el Savoy Ballroom. Frankie Manning llegó a ser un bailarín en la élite del Savoy y bailaba en el “Cat’s Corner”: un rincón de la pista donde se llevaban a cabo exposiciones improvisadas y competiciones, reservado solo para los mejores bailarines.

En 1935, Herbert White organizó a los mejores bailarines de Lindy Hop del Savoy Ballroom y formó un grupo de actuación profesional que finalmente se llamó “Whitey’s Lindy Hoppers”.

Manning creó las primeras rutinas y funcionó como el coreógrafo del grupo. La compañía difundía estos bailes en giras y en películas de la época. En una de sus giras por Europa llegaron a darle un espectáculo al rey Jorge VI.Cuando Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial muchos de los bailarines entraron a las fuerzas armadas y el grupo se disolvió. Manning sirvió en el ejército hasta 1947, y combatió en Japón, Nueva Guinea y Filipinas.

Después de la guerra, Manning creó un pequeño grupo de actuación llamado “Congaroos”. Cuando en 1955 se disolvió el grupo, Manning se retiró y comenzó a trabajar en el Servicio Postal de los Estados Unidos.

En 1982, Al Minns, un ex miembro de “Whitey’s Lindy Hoppers”, comenzó a enseñar swing y preparó a una nueva generación de bailarines. Antes de morir en 1985, les dijo a sus alumnos que Frankie Manning también vivía en la ciudad de Nueva York.

En 1986 una pareja de bailarines, Erin Stevens y Steven Mitchell, contactaron a Manning y le pidieron que les enseñara el Lindy Hop. Manning al principio rechazó la idea: era escéptico con la idea de que una generación mucho más joven estuviese interesada en Swing.

Sin embargo, Mitchell y Stevens regresaron a California y ayudaron a difundir el Lindy Hop en la costa oeste y otras áreas de los EE. UU. Así, comenzó el renacimiento del Swing.

Ese mismo año, el sueco Lennart Westerlund contactó a Manning y lo invitó para trabajar con The Rhythm Hot Shots, un grupo de exhibición sueco que buscaba imitar a los “Whitey’s Lindy Hoppers”. Manning viajó a Suecia en 1987 y a partir de 1989 regresaría a ese país todos los años para enseñar en el Herräng Dance Camp. En el año 2007, Lu y José viajaron a este camp, se quedaron cinco semanas y tuvieron oportunidad de tomar clases con Frankie.

Unos 30 años más tarde, Manning comenzó su segunda carrera en el baile: viajar por el mundo como un reconocido instructor e inspirador.

A la edad de 75 años, Manning co-coreografió el musical de Broadway “Black and Blue”, por el cual recibió un Premio Tony 1989. En 2000, recibió un National Heritage Fellowship del National Endowment for the Arts, el más alto honor de los Estados Unidos en las artes tradicionales y populares.

La autobiografía “Frankie Manning: Ambassador of Lindy Hop”, escrita con la coautora Cynthia R. Millman, fue publicada por Temple University Press en mayo de 2007. De este libro, José tiene el primer ejemplar firmado.

Las celebraciones anuales de cumpleaños de Manning atrajeron a bailarines e instructores de todo el mundo. Su 80º cumpleaños, en 1994, fue conmemorado con una celebración de fin de semana en la ciudad de Nueva York. Su 85º cumpleaños culminó en una fiesta con entradas agotadas en Roseland Ballroom de Nueva York, donde un par de sus zapatos de baile fueron colocados en una vitrina junto con los de bailarines famosos como Fred Astaire.

En el 2009, Manning tenía pensado visitar la Argentina, pero no pudo ser: falleció el 27 de abril de 2009 en Manhattan, a la edad de 94 años.

Frankie Manning había planeado celebrar su 95º cumpleaños e en un evento especial de Lindy Hop en Nueva York. El evento se realizó de todas maneras honrando su memoria y reunió a bailarines e instructores de todo el mundo. Diversos grupos de baile publicaron videos en honor a Frankie. Lu viajó especialmente a Nueva York para participar de este evento. Las ganancias de la celebración de Frankie 95 se destinaron para crear la Fundación Frankie Manning.

Manning fue incluido en el Salón de la Fama del Sr. y la Sra. Cornelius Vanderbilt Whitney del Museo Nacional de Danza en 2009.

Nació el 4 abril de 1904 en Manhattan, Nueva York. Fue patinador y bailarín de los más famosos salones de la época, y a él le debemos el nombre “Lindy Hop”. Es uno de los pocos bailarines que tiene un paso nombrado en su honor, y además un tema dedicado en su honor, hecho por Count Basie. Todos los que lo conocieron están de acuerdo en que “Shorty George” fue el bailarín que más pasos cómicos le aportó al Lindy Hop.

Su apodo era “Shorty” porque era un bailarín de muy baja estatura, y aprovechó esta particularidad para hacer pareja con Big Bea, una bailarina muy alta. Juntos hacían muchos pasos divertidos aprovechando su diferencia de estatura. Por ejemplo, Shorty pasaba por debajo de las piernas de su compañera, paso conocido en su época como “boogie legs” pero que hoy es conocido por el nombre de su creador, “Shorty George”.

Fundó su propio grupo de baile llamado “The Shorty George Trío” o “Shorty’s Lindy Hopper” que solía presentarse en el Cotton Club, Small Paradise y Roseland Ballroom entre otros clubs de la época. Shorty era un competidor recurrente del Savoy y llegó ganar muchas veces. Curiosamente, Manning se inspiró en un paso que hacía Shorty, donde Big Bea lo cargaba en su espalda. Frankie lo invirtió, para cargar él a su compañera y hacerla pasar por encima, creando así la primera aerial de la historia y derrotando por primera vez a Shorty. Éste le preguntó a Frankie como se le había ocurrido ese paso. “Me inspiré en ti”, le dijo Manning.

“Shorty George” tuvo que retirarse del baile por lesiones en las piernas y murió en el año 1982. Fred Astaire rindió homenaje a “Shorty” mediante la canción “Shorty George” en dos de sus películas: “Cover Girl” y “You Were Never Lovelier”.

Nació el 2 de diciembre de 1919 en Harlem. Conocida como “la Reina del Swing”, fue una bailarina de Jazz y Lindy Hop, coreógrafa, actriz, humorista, cantante y autora estadounidense.

Desde edad temprana, la música jazz y el baile ejercieron una gran influencia: ella vivía detrás del famoso salón de baile Savoy Ballroom, y desde su ventana escuchaba la música y veía pasar a los bailarines por la calle.

A los catorce años el bailarin Twistmouth George la vio bailar en las afueras del Savoy. Encontró tanto talento en ella que la ayudó a entrar, ya que ella era menor de edad. Más adelante, Norma ganó un concurso de baile en el Teatro Apollo y fue descubierta por Herbert White, que la convoca para su grupo de baile. Con ella, los “Whitey’s Lindy Hoppers” son finalistas en la categoría de Lindy Hop del Harvest Moon Ball de 1935. En ese momento inicia su carrera profesional en el mundo del espectáculo que continuará toda su vida hasta los 99 años.

En los años ‘40, Miller empezó su carrera en solitario como productora y bailarina. Aprendió diferentes estilos de baile en la academia “New Dance Group” y produjo espectáculos en Nueva York y Los Ángeles.

En 1952 formó su propia compañía de baile, los Norma Miller Jazz Dancers, y viajaría por diferentes países trabajando con artistas de la talla de Count Basie, Sammy Davis Jr., Duke Ellington y Cab Calloway.

En los años ‘70 se dedicó a la comedia en colaboración con el humorista Redd Foxx, con el que realizó espectáculos de stand up además de aparecer en la serie de televisión Sanford & Son. En 1972 realizó una gira por Vietnam para entretener a las tropas americanas.

Nació el 1 de enero de 1920. Al Minns fue un famoso bailarín de la época, participó en muchas películas y formó varios números con Leon James. Fue uno de los más jóvenes bailarines de Swing de los Whitey’s Lindy Hoppers en la década de 1930. A través de artículos periodísticos, revistas, libros, televisión, espectáculos y películas, junto a Leon hicieron mucho para difundir el Lindy Hop en todo el mundo.

Durante la década de 1960, Minns y James harían muchas exhibiciones de Charleston, Shim Sham, Lindy Hop y otros bailes. Al hacerlo llamaron la atención del autor Marshall Stearns, que les realizó una entrevista en profundidad.

Al Minns fue decisivo a principios de la década del ‘80 para impulsar el renacimiento del Lindy Hop. Además, fue él quien sugirió el nombre de Frankie Manning para seguir formando a las nuevas generaciones de bailarines.

Murió de cáncer el 4 de abril de 1985 en el Queens Hospital Center, a los 65 años.

Nació en 1913 y fue miembro de los Whitey’s Lindy Hoppers. Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, no fue reclutado por el ejército porque tenía problemas de visión, por esto fue uno de los bailarines que perteneció más tiempo activo durante aquel tiempo. En 1935, Leon James y Edith Matthews ganaron el Harvest Moon Ball.

Era un bailarín muy expresivo, siempre con sus piernas y manos en constante movimiento. Su estilo fue el favorito de muchas followers del Savoy, a quienes todavía les gusta recordar la forma en que movía las caderas.

Junto con Willa Mae Ricker aparecieron en la revista Life Magazine de 1943 sobre Lindy Hop, junto con los bailarines blancos de Broadway, Stanley Catron y Kaye Pop, cuya imagen aparece en la portada. Las fotografías de pasos de baile individuales tomadas por el fotógrafo Gjon Mili son sensacionales.

Ya hablamos de su dupla con Al Minns con quien desarrollaron un original número en el que bailaban y cautivaban al público con su alegría e ingenio. Se llamaron a sí mismos “The Jazz Dancers”. Juntos sirvieron como informantes para Marshall Stearns y su esposa Jean cuando escribían el libro clásico Jazz Dance.

Willa Mae Briggs nació el 7 de abril de 1910. Fue una gran bailarina integrante de los Whitey, fue compañera de baile de Frankie y también bailó con otros grande bailarines de la época: con Snookie Beasley en A Day at the Races; con Al Minns en Hellzapoppin’, Cottontail and Outline of Jitterbug History; con Frankie Manning en The Spirit Moves.

Ella y Leon James también fueron retratados en las famosas fotografías de la revista Life de 1943.

A menudo dirigía los grupos mientras estaban en giras o conciertos. Norma Miller recuerda que Willa Mae fue la primera bailarina en enfrentarse a Herbert “Whitey” White para exigir que a los Lindy Hoppers se les pagase por lo que valen. Después de los Congaroos, Willa Mae tuvo una segunda carrera en la moda.

Murió de cáncer en 1978.

Los Whitey’s Lindy Hoppers fue un grupo profesional de bailarines excepcionales, organizado a fines de la década del ‘20 por Herbert “Whitey” White en el Savoy Ballroom.

White, que se hizo ampliamente conocido como “Whitey” por el mechón de pelo blanco en el centro de su cabeza, hacía el papel de lo que hoy en día se conoce como mánager. Buscó bailarines jóvenes, estilizados y, sobre todo, que tuvieran Swing. Los organizó, los promocionó y les consiguió participaciones en teatros, exhibiciones y películas.

El grupo adoptó muchas formas diferentes y tuvo varios nombres y subgrupos diferentes, incluidos Whitey’s Hopping Maniacs, Harlem Congaroo Dancers y The Hot Chocolates. También sus integrantes fueron variando con el paso del tiempo.

En 1935, el grupo compitió en el famosos concurso de baile llamado Harvest Moon Ball en el Madison Square Garden. Compitieron allí por segunda vez en 1938. Ed Sullivan, que era el organizador, luego los invitó a actuar en Toast of the Town (más tarde llamado The Ed Sullivan Show). El grupo también compitió en el concurso en 1939 y 1940.

Los Whitey’s Lindy Hoppers aparecieron en varias películas y producciones teatrales de Broadway por ejemplo en el Paramount Theater de Los Ángeles, que fue la primera vez que se vio el Lindy Hop en la costa oeste de EE.UU. Según Norma Miller, Herbert White fue contactado luego de esa participación para incluir a los Whitey’s Lindy Hoppers en una escena de la película A Day at the Races, de 1937, dirigida por los Hermanos Marx.

Para dicha película, les pidieron un grupo de cuatro parejas, que Whitey completó con Snooky Beasley, Willa Mae Ricker, Dorothy Miller (la hermana de Norma Miller) acompañada de Johnny Innis (que, además de lindy hopper, era el conductor del grupo en su gira). El interés de los estudios cinematográficos en que la escena de baile apareciera fue tan grande que, aunque el rodaje de la película estaba terminado, lo reabrieron para incluir esa escena.

Luego en 1941 llegó la famosa película Hellzapoppin’ donde realizan una coreografía repleta de acrobacias. Hoy en día es uno de los videos más famosos en el mundo del Swing. La secuencia llegó a ser tan popular que fue una de las causas de la recuperación del Lindy Hop.

El grupo giró por Estados Unidos y otros países. En uno de sus viajes, llegaron a Brasil, pero Debido a la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial en diciembre de 1941, no pudieron encontrar transporte a casa y se quedaron en ese país durante diez meses.

Dean Collins nació en Columbus, Ohio, el 5 de mayo de 1917.

Fue bailarín, instructor y coreógrafo. Se dice que llevó el Lindy Hop de Nueva York al sur de California.

Dean comenzó a bailar desde temprano, ya a los 14 años asistía al Savoy Ballroom, donde se quedaba hasta el cierre, su banda favorita de ese entonces era la de Jimmie Lunceford.

A la edad de 18 años recibió el premio al bailarín del año de la revista New Yorker. Dejó Nueva York por Nueva Orleans y finalmente llegó en 1936 a Los Ángeles. Allí, su primer trabajo fue en un restaurante, donde a veces hacía algún número y luego continuaba su noche bailando en distintos clubs.

Es en El Palomar Ballroom (ver Nota aparte) donde gana un concurso de baile, y esto le reporta fama inmediata.

Dean decidió cambiar de nombre (nació llamándose Solomon Rudofsky) ya que pensaba que un nombre judío iba a tener menos chances de triunfar en Hollywood.

Su primera gran oportunidad llegó en 1939 cuando le pidieron que coreografiara la película “Let’s Make Music” en la que bailaba con Bertha Lee. También trabajó en películas como Junior Prom, Livin’ It Up, Ride‘em Cowboy y Buck Privates, entre otras.

Fue una famosa bailarina vinculada con los mejores bailarines de la época. Al principio iba a los bailes de swing junto a su hermano Ray Phelps y ganaron un concurso de Jitterbug en Santa María donde participaron más de 500 bailarines.

Luego de que su familia se mudara a California en 1942, realizó un cameo en una película que fue el puntapié inicial de una gran carrera. Dean Collins era el líder indiscutible de la escena del baile en ese momento, y Jean y Ray lo siguieron a todas partes. En 1946, Jean bailó en la línea de coro en El Rancho Vegas Hotel, trabajando con el coreógrafo Nick Castle durante seis meses.

Jean entrenó con Frank Veloz, famoso bailarín de salón internacional, y trabajarían en el Ballroom World, así como en su programa de televisión o “The Frank Veloz Show” de 1950-1955.

Nació en San Francisco el 30 de marzo de 1921 pero se crió en California. Fue una gran bailarina de los años ‘40 y ’50; participó en concursos de la época y participó en películas famosas. Muchos bailarines dicen que fue la mejor bailarina de swing.

Tal vez su pareja más conocida sea Dean Collins (nota aparte en este blog) con quien participó en la mayoría de las películas.

Dejó un estilo muy marcado, al que muchos denominan “Hollywood Style” (nota aparte en este blog). Jewel fue incluida en el California Swing Dance Hall of Fame en 1990 (Stellar Star Award).

Murió de cáncer en 1962. En 1990 ingresó al Salón de la fama de la danza del swing de California (Premio Estrella Estelar).

Nació el 23 de noviembre de 1921 en Missouri. De pequeña aprendió ballet, claqué y gimnasia. Se mudó a Los Ángeles y en 1939 comenzó a aprender Lindy Hop con el bailarín Bill Alcorn.

Irene fue una de las grandes bailarinas de la época, junto a Jewel McGowan o su amiga Jean Veloz. Era una bailarina muy expresiva, tanto con su cuerpo como con las expresiones faciales, y dejó huellas de su estilo en muchas películas de la época.

En una entrevista afirmó ser la creadora de un famoso paso. Irene cuenta que Eddie Markwell medía 1,95, por eso ella podía girar bajo su brazo sin inclinarse. Junto a él inventó el «drop» que Jean Veloz llamó «the quick stop».

Después de la Segunda Guerra se mudó a Nueva York y abandonó su carrera profesional. Dejó de bailar por problemas de vértigo; pero aunque estaba alejada de las pistas, solía dar entrevistas y contar su punto de vista sobre el baile.

Murió en el año 2020.